El Consejo del experto sobre el {secreto} en Desayuno En La Hierba {al descubierto }

desayuno en la hierba

Édouard Manet pintó Le Déjeuner sur l\’Herbe coincidiendo con el Salón de París de 1863. Eso debieron de pensar en su día los entendidos en arte del París de finales del siglo XIX. 150 años después, desentrañamos todos y cada uno de los misterios del cuadro, expuesto —con honores algo tardíos, pero ahora incontrovertibles— en el Museo de Orsay de la capital francesa. Monet fue en vida un artista autoexigente que prácticamente jamás estuvo satisfecho con el resultado final de sus cuadros. Buscaba desesperadamente plasmar la luz y el color real pero, frecuentemente le resultaba irrealizable ya que tal y como él aseveró “el color, un color, no dura ni un segundo, a veces tres o 4 minutos como mucho.

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Desayuno Sobre La Yerba

Los 2 hombres son el hermano de Manet, Gustave y su futuro cuñado, el escultor holandés Ferdinand Leenhoff. Los dos personajes están ocupados conversando e ignorando a la mujer. La mujer desnuda, la modelo Victorine Meurent, nos mira de manera directa. Por el suelo están las ropas de la mujer y un bodegón con frutas y pan. Manet mezcla géneros y no semeja tener respeto por el arte clásico. Cabe asimismo resaltar que Monet fue un artista muy independiente.

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“Una mujer vulgar, de vida alegre, tan desviste como se puede estar, holgazana sin vergüenza entre dos dandis vestidos hasta los dientes. (…) Esto es una vergonzosa úlcera abierta que no merece ser expuesta”, ha dicho el crítico Louis Etienne. La iconografía de esta pintura está inspirada en un cuadro de Tiziano,» El Concierto campestre». El Almuerzo en la Yerba radica de un almuerzo en el bosque, cerca de Argenteuil, con el Siena en el fondo. Tenemos la posibilidad de ver 2 hombres totalmente vestidos de forma muy refinada.

El Desayuno En La Hierba

Está sentada sobre una lona azul, probablemente parte de las ropas que se ha quitado. Estaba casado con su maestra de piano, Suzanne Leenhoff, y ella al lado de una de sus modelos preferidas Victorine Eureut, posaron como modelos para este cuadro. Este artista se considera como uno de los padres del Impresionismo si bien jamás fuese un Impresionista en el sentido estricto de la palabra. Respetaba bastante al grupo de los Impresionistas pero no era compatible con .

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Observamos enormes superficies de color, preferencia por el plano pictórico, bruscas transiciones de luz a sombra, figuras recortadas ferozmente sobre el fondo, etcétera. Aspectos inconfundibles de la pintura de Manet, nueva por su tratamiento del color, modelado, perspectiva y tema. Es una revolución estética que atrae a los jóvenes pintores impresionistas, que lo admiran. Manet contribuyó a liberar la pintura de las restricciones académicas. Deseo que sepan que esta obra mide 214 x 219 cm y nunca antes se había pintado un cuadro sobre un picnic en estas dimensiones. Esta mujer era precisamente actualizada y estaba en compañía de 2 hombres que iban vestidos a la moda de la segunda mitad del siglo XIX.

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Por temática y técnica esta obra se ganó un puesto en el salón de los rechazados.

Desde las primeras pinceladas estábamos ante un cuadro terminado, bien compensado. El inconveniente que tenía Renoir quizá era el de calar en el tema sin perder la lozanía de la primera sorpresa. Por fin asomaba de entre la niebla el cuerpo de la modelo o el paisaje, igual, en cierta manera, que habría aparecido en una placa fotográfica sumergida en el revelador. Puntos totalmente descuidados al comienzo adquirían importancia”.

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La visión íntima, la asombroso memoria de este hijo desmenuzando la vida y el trabajo de su padre, proponen un testimonio muy valioso de vida y vivencias. (…) creo que, en último término, las pinturas, dibujos, elementos y “apropiaciones múltiples” de Nono Bandera remiten al género de la naturaleza fallecida, a ese “retrato de una domesticidad” que puede llevarnos a comprender la vanidad de todo. Lo que generó Nono Bandera para su exposición -prosigue Castro-Flórez en exactamente el mismo texto- son una sucesión de “réplicas” o “trampantojos objetuales”. Los jarrones son “lo que parecen”, a entender , jarrones que podrían llevar impresa la divisa de Frank Stella “what you see is what you see”. La obra de NONO BANDERA se nutre de las circunstancias y experiencias vitales que han marcado su vida, con lo que sus fuentes iconográficas, y asimismo las que amplían su registro sensible, son muy variadas. También las técnicas y materiales que emplea para realizarla. En las piezas que conforman esta exposición hay pintura, dibujo, estatua o porcelana en una suerte de collage formal y conceptual.

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